Dyango a lo largo de su carrera ha recibido numerosos premios en reconocimiento a su categoría de artista, igualmente en España que en Sudámerica, e incluso en Estados Unidos. Tiene en su haber 55 discos de oro y 40 de platino.
Guadalquivir, fue una banda de jazz-rock andaluz, que estuvo activa entre 1977 y 1983.
Guadalquivir forma parte del llamado rock andaluz, aunque aparece en la última época de dicha corriente. Frente a grupos como Triana , Alameda o Imán, que desarrollaban su trabajo influenciados por la tradición del rock sinfónico, Guadalquivir proviene de influencias jazzísticas y, por tanto, su obra se enmarca en el jazz fusión, aunque con las características propias del rock andaluz:
Utilización de ritmos relacionados con el flamenco, especialmente la bulería y la rumba.
Desarrollo de solos con presencia de fraseos y melismas aflamencados.
Recurso a iconografía, imágenes y mitología "andaluza" en los temas y títulos.
Con su segundo disco, Guadalquivir mantiene la línea que ya había quedado claramente definida en su disco homónimo de debut. El nivel de complementación entre todos los miembros del quinteto también sigue igual de fluido. Pero, por otra parte, cabe anotar algunas diferencias de matices existentes en “Camino del Concierto” con respecto al disco anterior.
Para empezar, el nuevo repertorio exhibe un mayor colorido sonoro, lo cual en buena parte se debe a la presencia de invitados ocasionales como, por ejemplo, el ilustre teclista Josep Mas Kitflus, de Iceberg, quien se luce soleando con un sintetizador en un par de temas, además de otros colaboradores en percusiones y ensamble de bronces; simultáneamente, esto significa que la ligera aspereza que se dejaba entrever de vez en cuando en el primer disco ya prácticamente ha desaparecido por completo, con lo cual se realza el factor de fineza. También la producción de sonido es más pulcra, permitiendo que los elementos individuales se hagan notar más nítidamente dentro del bloque instrumental.
Los líderes de la banda fueron sus guitarristas, Luis Cobo (más conocido como “Manglis”) y Andrés Olaegui. El resto de la formación estaba compuesta por Pedro Ontiveros (saxo soprano, saxo alto y flauta) , Jaime Casado (bajo) y Larry Martin (batería).
En este disco colaboraron, además de Kitflus ya citado, Tito Duarte (saxo tenor), Diego Carrasco (guitarra flamenca) y Pedro Ruy Blas (bongos), entre otros artistas.
“Camino del Concierto” es un álbum que brilla con el esplendor propio del exotismo flamenco: aunque no llegue a igualar el índice de creatividad artística de su disco debut, es una pieza muy recomendable para los amantes del jazz fusión elegante y bien ejecutado.
Isabel Pantoja, Cantante gitana, considerada como una de las figuras más destacadas en los géneros de la copla, la tonadilla y la llamada "canción española", alcanzó su mayor popularidad en las décadas de 1980 y 1990.
Su padre había formado parte del grupo Los Gaditanos, famosos en la década de los cincuenta por temas como Qué bonita es mi niña, y en su familia había ya otros antecedentes artísticos.
Prima de Chiquetete (apodo del cantaor flamenco Antonio Cortés), a finales de los sesenta participó en algunas de sus grabaciones y pronto comenzó a colaborar en sus actuaciones, primero como bailaora y después como cantante.
INFO: Raquel Meller (Tarazona, Zaragoza; 9 de marzo de 1888 – Barcelona; 26 de julio de 1962), nacida Francisca (Paca) Marqués López, fue una cantante, cupletista y actriz de cine española. Durante los años 20 y 30 del pasado siglo fue la artista española de mayor éxito internacional. Estrenó famosas canciones como La Violetera de José Padilla. En su ciudad natal, sita en el Teatro Bellas Artes, existe una sala-museo o exposición permanente sobre la cantante.
Raquel Meller - Lola Triana
Hija de aragonés y de riojana (de Inestrillas, donde su padre era el herrero del pueblo), nació en Tarazona (Zaragoza) en el popular Barrio del Cinto. Su padre trabajaba como herrero en la llamada Venta de Baqueca, en tanto que su madre se empleaba en una tienda de ultramarinos. Pasa temporadas con sus abuelos maternos en Inestrillas y también con los paternos en Añón de Moncayo, donde también su abuelo había ejercido de herrero. Se crió en Francia al cuidado de una tía materna, religiosa clarisa, hasta que volvió a reunirse con su familia en El Pueblo Seco, barrio de la ciudad de Barcelona. En la capital catalana trabajó en un taller de confección. Fue por entonces cuando conoció a la célebre cantante Marta Oliver, quien advirtíó el talento vocal de la joven Paca.
Bajo el tutelaje de Marta Oliver, Paca debutó en el salón La Gran Peña en febrero de 1908 bajo el nombre de La Bella Raquel. Poco después cambió definitivamente su nombre a Raquel Meller, con apellido de sonido alemán, al parecer en recuerdo de un amor de dicha nacionalidad.
El 16 de septiembre de 1911 Raquel hace su gran debut en el Teatro Arnau de Barcelona. Fue en esa época en donde cantó La Violetera yEl Relicario, las dos canciones compuestas por José Padilla que la hicieron famosísima.
En 1917 Raquel conoce al escritor y diplomático guatelmateco Enrique Gómez Carrillo (Enrique Gómez Tible, quien cambiaría su segundo apellido cuando los españoles le llamaron burlonamente "Comestible"); se casa con él en 1919, pero el matrimonio se rompió en 1922. El mismo año, Raquel celebró sus primeros triunfos en París (Olympia), Argentina, Uruguay y Chile. En 1926 hizo una gran gira por los Estados Unidos, recorriendo Nueva York, Filadelfia, Chicago, Boston, Baltimore y Los Ángeles.
Hacia 1930 Raquel atrajo la atención de Charlie Chaplin, quien le ofreció interpretar un papel principal en su película Luces de la ciudad (City Lights, 1931), sin éxito. Chaplin sí incorporó la melodía de la canción La Violetera de José Padilla como tema principal en esta película, omitiendo la autoría del maestro Padilla.
En 1922 Raquel dio un primer paso en su carrera cinematográfica. Entre sus grandes éxitos se encuentran Violetas imperiales (1923) yCarmen (1926), aún en el cine mudo. En 1932 rodó una segunda versión de Violetas imperiales para el cine sonoro, y en 1936 comenzó con el rodaje de Lola la de Triana, cuya producción fue interrumpida por la Guerra Civil española.
En los años treinta Raquel residió en Francia, disfrutando de su celebridad. Superó en popularidad e ingresos durante varios años a estrellas como Carlos Gardel y Maurice Chevalier. Su voz, belleza, elegancia, grandes ojos negros y su talento como cupletista le garantizaban el estrellato. Admiradores como la propia Sarah Bernhardt la llamaron «genio». Antes de que ella apareciera en escena, los cuplés se veían como canciones de género ínfimo. Las interpretaciones de Raquel Meller dieron al cuplé un aceptable nivel social.
La Guerra Civil española y la Segunda Guerra Mundial provocaron un cambio abrupto en su carrera. En 1937 viajó a Argentina, donde permaneció hasta 1939. Después de la Guerra Civil volvió a Barcelona, logrando de nuevo la popularidad con la obra teatral de José PadillaLa Violetera. En Barcelona se casó por segunda vez con el empresario francés Demon Sayac. Aunque nunca se divorciaron, decidieron vivir separados.
Durante los años siguientes, poco a poco, Raquel Meller se quedó sola y medio olvidada en Barcelona. Poco después del estreno de las películas El último cuplé (1957) y La violetera (1958) con Sara Montiel, en donde se cantaron los éxitos de su tiempo de gloria, Raquel trató de recuperar su fama de estrella, pero fracasó, ya que nadie se acordaba de ella. Nunca tuvo hijos propios, pero adoptó a dos.
En 1962, cuando llevaba algún tiempo alejada del espectáculo, sufrió una caída que agravará su enfermedad coronaria. El 26 de julio de 1962fallecerá en el Hospital de la Cruz Roja de Barcelona acompañada de su hijo y de la presidenta del Hospital, Condesa Pilar de Lacambre, gran amiga de la artista. El entierro, en el Cementerio de Montjuic de Barcelona, fue multitudinario y toda la prensa se hizo eco de la sensible pérdida.
Francisca Rico Martínez, de nombre artístico PAQUITA RICO, nace en Sevilla, en el popular Barrio de Triana, el 13 de octubre de 1929 y falleció por causas naturales a los 87 años de edad el 9 de julio de 2017 en su ciudad natal.
Cantante folclórica y actriz. Tras participar en un concurso radiofónico, debuta sobre un escenario siendo aún muy joven con el ballet español de Montemar junto a Carmen Sevilla y Ana Esmeralda. Comienza a trabajar en la compañía de Pepe Pinto. Es descubierta por Florián Rey y en 1948 rueda bajo la dirección de él su primera película titulada Brindis a Manolete, que inmediatamente le otorga gran popularidad. Le siguen comedias, sainetes y dramas, así como numerosas películas folclóricas. Estuvo casada entre 1960 y 1965 con el torero Juan Ordoñez.
En años sucesivos, alcanza estatuto de estrella favorita del cine español, continuando también su carrera como cantante folclórica. Su pleno éxito llega en 1959 cuando interpreta el papel de la Reina María de las Mercedes de Orleans y Montpensier (primera esposa de Alfonso XII) en la película del director argentino Luis César Amadori ¿Dónde vas Alfonso XII? (1958). Dos años después coincide en la película El balcón de la luna (1962) con sus amigas Lola Flores y Carmen Sevilla. Además de estas películas también podemos mencionar: El duende Jerez (1954), Suspiros de Triana (1955), Lavanderas de Portugal (1957), ¡Viva lo imposible! (1958) y Tierra brutal y La viudita naviera (1961). A partir de ese momento, espacia sus apariciones cinematográficas lo mismo que sus actuaciones, frecuenta círculos selectos y solamente intervendría en otras seis películas más, hasta su retirada definitiva del mundo del espectáculo.
De su carrera discográfica, en 1956 edita un disco de cuatro canciones (EP's) con la compañía Discos Columbia de San Sebastián, que contenía como tema principal, la canción Doña Pasión. En 1964, graba para la Voz de su amo de Barcelona, varios discos con canciones como: Mi niño y Por tu voz. En 1965, y en la discográfica Philips, se publica un tema que ella dedica el torero Palomo Linares (compuesto por los maestros Portolés y Sellés). En 1966, y del espectáculo musical "Ella", pone en el mercado un nuevo disco y ya contratada por la etiqueta Belter de Barcelona editará varios EP's, entre ellos el archifamoso Romance de la Reina Mercedes de los prestigiosos autores de la copla: Quintero, León y Quiroga.
Nació en Niza (Francia), el 26 de abril de 1932. Comenzó tocando en bandas y orquestas locales, hasta que conoció al cantante Bernard Dimey, para el que compondría numerosas canciones. Trabajó también al lado de Edith Piaf y se inició en el cine con Un homme et une femme (66), cuyo gran éxito le abriría las puertas del séptimo arte, colaborando en numerosas ocasiones con el director Claude Lelouch.
Alrededor de los 20 años de edad, Francis Lai, se trasladó a París y comenzó a frecuentar los ambientes musicales de Montmartre. En 1965 se reunió con el cineasta Claude Lelouch que le confió la tarea de escribir la banda sonora para la película Un hombre y una mujer que se realizaría en 1966. La película fue un gran éxito internacional y ganó varios premios Óscar. Para el joven Francis Lai fue la consagración a su primera película. Este primer éxito le valió producir varios escritos musicales, tanto en Francia como en Gran Bretaña y en los Estados Unidos.
En 1970 escribió la banda sonora para la película El hombre venido de la lluvia y para Love Story que lo lanzó definitivamente al grupo de los grandes compositores de música de cine haciéndole ganar el premio Óscar por la mejor banda sonora.
Berry Gordy, el fundador de la Motown, dijo que “cualquiera de los cinco Temptations podía ser cantante principal, pero era David Ruffin quien sobresalía entre todos”.
En contraste con la celestial voz de su compañero Eddie Kendricks, Ruffin cantaba como si cada palabra fuera una súplica: el dolor y la desesperación llenaban sus líneas vocales en Ain’t Too Proud to Beg, (I Know) I’m Losing You y I Wish It Would Rain. “Su voz tenía una gloriosa angustia que tocaba emocionalmente a los que la escuchaban”, cuenta Daryl Hall (de Hall and Oates), que grabó y actuó ocasionalmente con Ruffin en los 80.
“Escuchaba en su voz una fuerza de la que la mía carecía”, dijo Marvin Gaye, que añadió que la obra de Ruffin “me hizo recordar que muchas mujeres, cuando escuchan música, quieren sentir la potencia de un hombre de verdad”.
Osibisa se describen como los padrinos de las músicas del mundo, y reclaman haber allanado el terreno para la llegada de otros músicos, como Bob Marley, al estrellato, que fue popular a mediados de los 70.
Buena parte del material de Osibisa es muy bailable. Se les podría comparar con los estadounidenses Earth, Wind & Fire en que ambos hacen música altamente sofisticada con ritmos afrocaribeños y sección de vientos, y ambos grupos han sido criticados como insípida música disco por algunos temas de mayor orientación comercial. El nombre de Osibisa significa, según sus miembros, "cruce de ritmos que estallan de alegría" ("criss-cross rhythms with explode with happiness"): puede oírse esta presentación en el primer corte de su primer disco (la pieza "The dawn" del álbum Osibisa).
Ellos mismo clasificaron su música como "afro rock". La banda ha tenido muchos cambios de formación, siendo únicamente sus tres miembros fundadores ghaneses, Amarfio, Tontoh y Osei, los que han permanecido en la banda durante parte importante de su carrera. Originalmente se decantaban por las canciones instrumentales, intercaladas con cantos tribales, todo esto acompañado por una sección de viento y una agresiva línea de bajo. Su estilo influenció a toda una generación de músicos africanos
Funkadelic, es un grupo de música afroamericana de Estados Unidos destacado durante la década de 1970. Junto con su banda hermana Parliament, encabezada por George Clinton, comenzó la cultura de la música funk en esa década. En 1997 fueron introducidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll.
Nacido en Leighton (Alabama) en 1941, Sledge pertenecía a la escuela del country soul sureño. Era uno de aquellos cantantes poco educados pero con una expresiva voz nasal, derivada de la escucha de la omnipresente música country. Acumulaba vivencias duras, no tanto en lo racial como en lo laboral y lo amoroso.
Se supone que Percy escribió la letra de When a man loves a woman –el protagonista confiesa su entrega total a la persona amada- reflejando una experiencia personal, cuando se vio abandonado por una novia. Aceptó que el tema apareciera firmado exclusivamente por los dos músicos que –se cuenta- le ayudaron a vestir instrumentalmente el tema, con lo que renunció a su parte de una mina de oro.
Resulta verosímil: Percy era un bama, un hombre de campo sin muchos conocimientos del mundo exterior. En 1966, trabajaba como celador en un hospital y cantaba los fines de semana con The Squires, un grupo de versiones. Por casualidad, conectó con Quin Ivy, un locutor de radio que aspiraba a ejercer como productor de discos y se había construido un modesto estudio, Norala, en Sheffield (Alabama).
Percy sería el segundo artista que grabó en Norala. “When a man loves a woman” se hizo con los músicos (blancos) que ya estaban dando fama a las producciones de Rick Hall. Jerry Wexler, directivo del sello neoyorquino Atlantic, muy atento a lo que se cocía en el Sur, le fichó y la distribución internacional de Atlantic permitió que la pieza arrasara mundialmente en el verano de 1966.
